da série "Comfortably numb" de Paulo S. Carvalho
Maria
Ontem pela manhã.- Pai... estou monita?
- Filha... tu és uma princesa. O pai pode tirar uma fotografia?
- Xim Pai..
- Filha... tu és uma princesa. O pai pode tirar uma fotografia?
- Xim Pai..
Estirpe
da série "Tauro" de Paulo S. Carvalho - Moita 18 Set 2008Aviso quem me lê que há uma certa possibilidade de eu ser parvo. Sou daqueles tipos que marcha contente e chora nos casamentos.
A mim parece que esta estirpe de homens que acumula sangue na jaqueta e volta de sorriso na cara para enfrentar o touro, é extraordinária.
A mim parece que esta estirpe de homens que acumula sangue na jaqueta e volta de sorriso na cara para enfrentar o touro, é extraordinária.
Florian Bohm: Wait for Walk
Exhibition: "Florian Bohm: Wait for Walk" September 10 - October 18, 2008"The Cohen Amador Gallery is pleased to announce the exhibition "Wait for Walk", color photographs by internationally renowned German photographer Florian Bohm from his book of the same title. Born into the tradition of post-war German photography, Bohm tenaciously grasps the objective formalizing methodologies of his predecessors and reworks their techniques through the socially engaged photographic styles of the conceptual, American, post-modern epoch. In the series, Bohm's temerity manifests itself in photographs of New Yorkers literally waiting for the walk signal to cross the street. A process of such banality, it casually escapes the attention of those waiting.
Bohm's technique underscores the repetition involved in waiting for the walk signal. Using a medium format 6 x 7 or 6 x 17 camera, Bohm positions himself across the street from his waiting subjects. Going largely unobserved, he shoots at the same level as his subjects, in well-lit conditions, at busy intersections thereby establishing a photographic paradigm that illuminates similarities and differences between his photos and the subjects. Though certainly influenced by American street-photography, Bohm's methods recall Bernd and Hilla Becher, whose style highlighted the individuality of things through strict, repetitive photographic tactics. Bohm's focus on people in the schizophrenic network of New York City, however, highlights the commercial urbanism of the 21st century in a conceptual manner reminiscent of Philip Lorca Di Corcia. The shared experience of waiting becomes a sociological platform upon which, as German sociologist Georg Stimmel puts it, Bohm investigates "the attempt of the individual to maintain the independence and individuality of his existence against the sovereign powers of society".
With regard to these "sovereign powers of society", the prevalence of shopping bags in Bohm's work serves as the most obvious signifier. A group of Asian tourists giggle and grasp their identical Coach bags, all caught up in the casual whimsy of spending the day shopping. Lord and Taylor, GAP, red plastic bags from Chinatown corner markets, businessmen and women on their lunch break with bags from Mangia, Subway, Hale and Hearty: it all bespeaks the dominating power of 21st century consumerism. Store signs loom enticingly in the background marking their territory and appropriating the urban environment. It is as though Baudelaire’s flaneur, out for a pleasant stroll in 19th century Paris, has become a hyper-consumer, chugging caffeine while on his or her cell phone on the way to Saks. Yet, it is here, amidst the depersonalizing powers of the city, that the subject’s individuality displays itself most clearly. Gestures, posture, body language all come into relief. By focusing on this momentary cessation of action, Bohm simultaneously elucidates the individual in the subliminally daunting metropolis, while highlighting a moment of social, economic and racial transcendence: everybody has to wait as the cars speed by: individuality, through the mannerisms exhibited during the simple act of waiting, flourishes.
Florian Bohm has exhibited widely throughout Europe and the US including Kunstwerke Institute for Contemporary Art in Berlin, Store Front Art and Architecture in New York, Fondazione Adriano Olivetti in Rome and Fondation Cartier pour l'Art Contemporain in Paris. He is the author of several books and was co-founder of the project EndCommercial / Reading the City, a visual record of modern urban life lauded in journals and papers such as the New York Times and Art Forum. " in http://www.cohenamador.com/Bohm_pressrelease.html
Canon EOS 5D MkII
Imagem DpreviewCerto é que a Canon irá ter resultados extraordinários este ano após este lançamento e eu um Natal MkII.
Todos os detalhes aqui
Tradição
Paulo S. Carvalho - Monsaraz 2008
Paulo S. Carvalho - Monsaraz 2008A tradição impôs-se hoje em Monsaraz. O novilho do festejo taurino foi morto na arena.
Best of
Breaunna on Red Sheet, The Algiers, Las Vegas, 2000 © Albert WatsonAlbert Watson - Best of
21 September - 18 January 2009
NRW-Forum Kultur und Wirtschaft
www.nrw-forum.de
Albert Watson may be blind in one eye (a fact hinted at in the title of his legendary book, Cyclops), but this does not diminish his ability to see in any way. Whatever he captures on camera - whether it be Mick Jagger, the hand of a chimpanzee, Kate Moss in Morocco, or a domina in Las Vegas - he creates an iconic image.
From September 2008, a collection of his work will be on display at the NRW-Forum. This retrospective will cover a wide range of photos from early icons to brand new studio photos.
Over the course of the past few decades, Albert Watson has not only become one of the world's most successful fashion and advertising photographers, he has also developed his very own art form. Down through the years, his incredible photos have graced the cover of Vogue over 250 times and have been published in countless other publications including Rolling Stone, Time, and Vibe. Many of his photos are classic portraits of famous people.
Albert Watson has also spent a lot of time fine-tuning his art, creating impressive records of his travels around the world, from Marrakech to Las Vegas and the Orkneys. Although the vast scope of his photos are effortless in their variety, they are all clearly identifiable as Albert Watson photographs by virtue of their power and his virtuosity of technique. Whatever he points his lens at, be it a domina in Las Vegas or Tutankhamun's socks, Albert Watson turns out breath-taking photographs. It is this uncompromising quest for perfection that makes Albert Watson one of the most popular photographers in the world. Born and raised in Scotland, Albert Watson studied at the Royal College of Art in London before moving to the United States in 1970. He lives and works in New York.
From September 2008, a collection of his work will be on display at the NRW-Forum. This retrospective will cover a wide range of photos from early icons to brand new studio photos.
Over the course of the past few decades, Albert Watson has not only become one of the world's most successful fashion and advertising photographers, he has also developed his very own art form. Down through the years, his incredible photos have graced the cover of Vogue over 250 times and have been published in countless other publications including Rolling Stone, Time, and Vibe. Many of his photos are classic portraits of famous people.
Albert Watson has also spent a lot of time fine-tuning his art, creating impressive records of his travels around the world, from Marrakech to Las Vegas and the Orkneys. Although the vast scope of his photos are effortless in their variety, they are all clearly identifiable as Albert Watson photographs by virtue of their power and his virtuosity of technique. Whatever he points his lens at, be it a domina in Las Vegas or Tutankhamun's socks, Albert Watson turns out breath-taking photographs. It is this uncompromising quest for perfection that makes Albert Watson one of the most popular photographers in the world. Born and raised in Scotland, Albert Watson studied at the Royal College of Art in London before moving to the United States in 1970. He lives and works in New York.
O banco que chora
da série "Le temps qui passe" de Paulo S. Carvalho - Santarém 2005Choro e não quero...
Tenho saudades dos Domingos soalheiros e dos namorados a falar baixinho.
Das crianças que correm agitadas, que espreitam nervosas.
Do chamar entusiasmado dos seus pais.
Das mãos sorrateiras dos amantes a deslizar sobre mim.
Ai, saudade! onde está a alegria agora?
Espera.! Os que eram meninos hoje voltaram.
Não... não trazem a alegria de outrora...
Mas... foram pais, foram avós...!
Não o entendo mas vêm agora sós.
Sentam-se...tristes!
Não porque o querem, não porque o possam evitar.
No chilrear dum pequeno pássaro contrariam a angústia da vida, rindo, mas por um instante. A solidão que torna com a fatalidade de uma maré, preenche-lhes com tristeza o espírito que esta já tão fraco tornou.
Chove!
Este é o pior dos dias. Este maldito tempo que me faz pensar...
Tenho saudades dos Domingos soalheiros e dos namorados a falar baixinho.
Das crianças que correm agitadas, que espreitam nervosas.
Do chamar entusiasmado dos seus pais.
Das mãos sorrateiras dos amantes a deslizar sobre mim.
Ai, saudade! onde está a alegria agora?
Espera.! Os que eram meninos hoje voltaram.
Não... não trazem a alegria de outrora...
Mas... foram pais, foram avós...!
Não o entendo mas vêm agora sós.
Sentam-se...tristes!
Não porque o querem, não porque o possam evitar.
No chilrear dum pequeno pássaro contrariam a angústia da vida, rindo, mas por um instante. A solidão que torna com a fatalidade de uma maré, preenche-lhes com tristeza o espírito que esta já tão fraco tornou.
Chove!
Este é o pior dos dias. Este maldito tempo que me faz pensar...
Phelps Fever: Portrait of Michael Phelps at NPG
Faster than a speeding bullet, more powerful than a locomotive. . . .It’s a bird, it’s a plane, it’s Michael Phelps! Olympic superhero Michael Phelps accomplished what he came to Beijing to do: he became the first athlete to win eight gold medals in a single Olympiad.
His dominance was unprecedented, and even otherworldly—perhaps he was born on the planet Krypton? Well, Baltimore, actually, in 1985. Five of Phelps’s wins were in individual events, and he broke seven world records overall. Counting the six gold and two bronze he won at Athens in 2004, Phelps has now collected a total of sixteen Olympic medals.
To help celebrate this historic athletic achievement, a large chromogenic print of Phelps, taken by photographer Ryan McGinley, has been installed on the first floor of the National Portrait Gallery’s north wing. McGinley photographed the members of the 2004 United States Olympic swim team for a special edition of the New York Times Magazine; this photograph of Phelps was featured prominently. It will be on view at NPG through January 2009.
Physically, the 6’4” Phelps is unique: he has an incredibly long arm span of 6’7” that boosts propulsion, an elongated torso that eliminates drag, and size-fourteen feet-flippers that allow him to undulate through the water like a wave.
For the moment, Phelps says that “every day it seems like I’m in sort of a dream world,” but his longer goal is to continue “to raise the bar a bit more in the world of swimming.”
Michael Phelps/Ryan McGinley, 2004/National Portrait Gallery, Smithsonian InstitutionLe temps qui passe
da série "Le temps qui passe" de Paulo S. Carvalho - Santarém, 2005 Para onde vou?
Porque passa o tempo tão devagar?
Para onde vou e não quero ir?
Vou. Mas sem razão.
Para casa talvez... Talvez ainda não!
Ó horas que passam, dias que não terminam, sofrimento que não acaba, angústia que não vai embora...
Porque fiquei sozinho, porque fiquei eu?
Porque passa o tempo tão devagar?
Para onde vou e não quero ir?
Vou. Mas sem razão.
Para casa talvez... Talvez ainda não!
Ó horas que passam, dias que não terminam, sofrimento que não acaba, angústia que não vai embora...
Porque fiquei sozinho, porque fiquei eu?
Daniel Blaufuks @ Steidl
© Daniel Blaufuks"Terezin" de Daniel Blaufucks será publicado pela Steidl em Dezembro de 2008. O trabalho de video “Theresienstadt” será incluído na edição. Blaufuks junta-se a Nozolino no grupo de portugueses editados pela melhor editora de livros de fotografia do mundo.
"Theresienstadt or Terezín in the Czech Republic is a fortified town sixty kilometres to the north of Prague. At the Wannsee Conference in January 1942, the Germans chose Theresienstadt as a “Model Ghetto” for Jews over 65 years old, Jewish veterans from the First World War, and known personalities. The Nazis declared the camp a “ghetto under Jewish authority”, appointing a council of elders with a chairman, but under the authority of the SS. In reality the camp was just another staging post on the way to Auschwitz or Birkenau. Due to the presence of numerous interned professors, artists and writers, there were school and cultural activities, such as lectures and concerts. During the life of the ghetto, over two thousand four hundred lectures took place on such varied topics as the Jews of Babylon, the theory of relativity, Alexander the Great and German humour. There was a functioning library with 49,000 books that had been brought from various collections and homes in Germany and different groups performed theatre. There was even a police force, a fire brigade and several other civic services. One prisoner wrote, “Life could seem almost normal here”. Terezín is Daniel Blaufuks’ personal travel and research book on the history of the Nazi concentration camp of Theresienstadt." in http://www.steidlville.com/books/793-Terez-n.html
"Theresienstadt or Terezín in the Czech Republic is a fortified town sixty kilometres to the north of Prague. At the Wannsee Conference in January 1942, the Germans chose Theresienstadt as a “Model Ghetto” for Jews over 65 years old, Jewish veterans from the First World War, and known personalities. The Nazis declared the camp a “ghetto under Jewish authority”, appointing a council of elders with a chairman, but under the authority of the SS. In reality the camp was just another staging post on the way to Auschwitz or Birkenau. Due to the presence of numerous interned professors, artists and writers, there were school and cultural activities, such as lectures and concerts. During the life of the ghetto, over two thousand four hundred lectures took place on such varied topics as the Jews of Babylon, the theory of relativity, Alexander the Great and German humour. There was a functioning library with 49,000 books that had been brought from various collections and homes in Germany and different groups performed theatre. There was even a police force, a fire brigade and several other civic services. One prisoner wrote, “Life could seem almost normal here”. Terezín is Daniel Blaufuks’ personal travel and research book on the history of the Nazi concentration camp of Theresienstadt." in http://www.steidlville.com/books/793-Terez-n.html
Darkside @ Steidl
© Christer StrömholmDarkSide, Vol. 1: Photographic Desire and Photographed Sexuality
Photography is present in all the pubic and private areas of our lives. It is also found in seclusion, where it is “dark”, where we shut ourselves off from society or where an act excludes society. Sexuality – as eroticism, desire, fantasy and fetish – is one of the central drives of man’s thoughts, actions and feelings. Frequently though, sexuality is minimized, considered to be nothing more than lustful entertainment or dismal deviation. Darkside shows photography as an important medium in the presentation of sexuality. Photography stylizes lust and passion, power, violence and voyeurism. Wish and desire enter into a pact with sexuality: sexual fantasies push to be presented, seek exposure – and photography, with its own voyeuristic pull, uses the power of (photo) eroticism for its own purposes. Darksidepresents this photography and discusses it in numerous essays.
Volume 2 will be published in 2009. It is devoted to the photography of violence and disesase, those other central powers that can influence body and soul.
Darkside - Photographic Desire and Sexuality Photographed
© Jeff Burton 06.09.2008 - 16.11.2008
DARKSIDE
DARKSIDE
For sexuality and fantasy, photography is a central visual instrument: as document, stimulation, instrument of power, and as a form for artistic creation. Photography shows and stylizes pleasure and passion, voyeurism and self-representation, sexual power and consumption. Fantasies and desires form an exciting pact with photography: sexual fantasies demand representation, actively seek disclosure—and photography uses this power of (pictorial) eroticism for its own ends, to be powerful and seductive. Darkside is dedicated to photographs of ideal, natural, and grotesque bodies; conceives of sexuality as a part of existence; presents photographed sexual practices, desires, and phantasms; discusses sexuality in Surrealism; reflects on reification and fetishization in sexuality; compares voyeurism and exhibitionism with one another; takes up the topics of sexuality and the body within the context of debates around gender, as well as power and the market. Throughout it is always a question of the images we make of “sexuality,” of the endless interflow of fantasies and reality in visual desire over the last one hundred years. With works of 150 photographers, including Brassaï, Bill Brandt, Hans Bellmer, Man Ray, Pierre Molinier, Germaine Krull, František Drtikol, Claude Cahun, von Christer Strömholm, Anders Petersen, Ed van der Elsken, Walter Chappell, Peter Hujar, Robert Mapplethorpe, Andy Warhol, Nan Goldin, Valie Export, Carolee Schneemann, Urs Lüthi, Jürgen Klauke, Hannah Villiger, von Nobuyoshi Araki, Daido Moriyama, Noritoshi Hirakawa, Arno Nollen, Paul Armand Gette, and many others.
Yasumasa Morimura
Esta imagem é a capa da próxima Eyemazing.
He was born in Osaka and graduated from Kyoto City University of Arts in 1978. Since 1985, Yasumasa Morimura has primarily shown his work in international solo exhibitions, although he has been involved in various group exhibitions.
Yasumasa Morimura borrows images from historical artists (ranging from Edouard Manet to Rembrandt to Cindy Sherman), and inserts his own face and body into them. His work engages with issues of gender, and challenges both Western and Japanese notions of good taste.
Among others, Morimura's exhibitions have been shown at the Museum of Contemporary Art, Chicago (1992), the Cartier Foundation for Contemporary Art in Jouy-en-Josas, France (1993), the Hara Art Museum in Hara, Japan (1994), the Guggenheim Museum (1994), the Yokohama Museum of Art in Yokohama, Japan (1996),Museum of Contemporary Art San Diego (2006), and the Art Gallery of NSW in Sydney, Australia (2007).
In his most recent and most extravagant reproduction, Morimura created a series of hybrid self-portraits modeled after the art of Frida Kahlo.
Lise Sarfati
Lise Sarfati está aí novamente com o seu olhar inconfundível. Dia 8 de Outubro teremos a 4ª edição da Fashion Magazine.
"Après le succès des trois premiers Fashion Magazine de Martin Parr, Bruce Gilden et Alec Soth, Magnum Photos a convié Lise Sarfati à réaliser l’opus 2008.
Calqué sur un magazine de style, Fashion Magazine présente des séries de mode et des publicités détournées, le tout orchestré par Lise Sarfati.
Ses photos prises à Austin, au Texas, dressent un portrait dramatisé et complexe d’adolescentes, toutes issues de la « middle class » américaine, qui revisitent la mode selon leurs propres codes, avec désinvolture et distinction.
Quentin Bajac, directeur du département photographique de Beaubourg, Rick Owens, créateur de mode (….), partagent leur point de vue sur le travail de Lise Sarfati.
Calqué sur un magazine de style, Fashion Magazine présente des séries de mode et des publicités détournées, le tout orchestré par Lise Sarfati.
Ses photos prises à Austin, au Texas, dressent un portrait dramatisé et complexe d’adolescentes, toutes issues de la « middle class » américaine, qui revisitent la mode selon leurs propres codes, avec désinvolture et distinction.
Quentin Bajac, directeur du département photographique de Beaubourg, Rick Owens, créateur de mode (….), partagent leur point de vue sur le travail de Lise Sarfati.
Fashion Magazine, entre mode et photo, est à découvrir en exclusivité à la Maison Rouge, à Paris, le 7 octobre, et disponible au prix de 20 euros dans les meilleures librairies à partir du 8 octobre. " in http://www.photographie.com/?prdid=118287&secid=2&rubid=167
Barrancos 2008
Da série Tauro de Paulo S. CarvalhoQuase me esquecia de postar uma imagem de Barrancos. Obrigado terra única.
Ahí viene la Ale, ahí viene la Ale!
Aqui uma entrevista de 2001 a Alessandra. Bem reveladora do meu fascínio.
Entrevista a Alessandra Sanguinetti por Pablo Garber
Nota publicada el 6-12-2001
Alesandra, vos no naciste con un pan bajo el brazo, pero sí con la cámara colgada al cuello...
Puede ser. Descubrí el mundo de las fotos cuando tenía 9 años Mi vieja tenía el estante de abajo de la biblioteca lleno de libros. Se los habrán regalado, porque ella no tiene nada que ver con el arte... Me acuerdo que allí había un libro que reunía una recopilación de diarios y fotos de Wisconsin, de principios de siglo. Un libro bastante oscuro, que nunca más pude encontrar en otro lado. Allí habían muchas imágenes de bebitos muertos, y hablaba de los suicidios en el pueblo, un pueblo que supuestamente era tranquilo... Cuando ví ese libro fue la primera vez que me di cuenta de que me iba a morir. Recuerdo una foto de una viejita muy arrugada, que estaba fechada en 1910. Al verla, pensé "ella ya no está más..."
¿Y cuándo empezaste a sacar tus primeras fotos?
Fue casi en la misma época. Mi vieja me había regalado una camarita y yo componía imágenes de almohaditas, y de un violín que tenía en un balcón. Era la típica hinchapelotas que le estaba sacando fotos a todo. Ya a los quince, empecé a estudiar con Andy Goldstein, y más adelante con Juan Travnik. También me interesé por la antropología, pero en la facultad me la pasaba imaginando retratos de los otros estudiantes. Finalmente decidí dedicarme de lleno a esto, y en el International Center of Photography de Nueva York me di cuenta que la fotografía es algo serio y uno puede hacerlo toda la vida.
¿Quienes fueron tus maestros allí?
Era un curso integral, en el que se intercalaban también talleres de fin de semana. Allí me tocó participar en los de algunos fotógrafos muy reconocidos, como Joel Peter Witkin, Nan Goldin, David Graham. Y había un profesor a quien sigo viendo y siempre que puedo le muestro mis trabajos, porque es una persona que sabe mirar y se da cuenta antes que vos adónde estás yendo. Se llama Robert Blake.
¿Fue allí donde desarrollaste la serie de los chicos?
Ese trabajo lo había empezado antes, sacando fotos de niños, pero sin pensar demasiado lo que estaba haciendo. Después, en ICP es como que el proyecto maduró. Sin embargo, si me pedís que lo defina, no puedo, me cuesta mucho. Yo diría que la infancia no es tan inocente como se suele decir o creer. Los niños son muy contradictorios, tienen sexualidad, y ya están llevando dentro de ellos lo que va a estar presente en toda su vida.
Yo creo que, en ese sentido, las miradas de tus modelos denuncian exactamente eso: no están viviendo en Disneylandia.
Yo creo que ellos mismos están como proyectando lo que es ser adulto, también. En las chicas es donde más se nota, porque ellas tienen más estereotipos, y se les inculca más el "cómo deben ser". Además, hasta cierta edad, son más concientes de ellas mismas, que los varones.
Vi un trabajo tuyo nuevo en la web ¿Podés contarme de qué se trata?
Son "Las aventuras de Guille y Beli, y el enigmático significado de sus sueños". Es parte de un trabajo mucho más grande que espero mostrar el año que viene. Lo había empezado al tiempo que terminaba esto de "El Sexto Día", pero como está en desarrollo no quisiera hablar mucho todavía. Lo que te puedo decir es que es como un cuento, como un documental de la vida imaginaria de ellas, de sus fantasías, sus miedos. Es muy teatral el trabajo, hacemos como performances: yo les doy un empuje, por ejemplo tocando el tema de los miedos, ellas se disfrazan y empiezan a improvisar.
En el sexto día:
"Y Dios dijo: Hagamos al ser humano a nuestra imagen y semejanza; y que domine sobre los peces del mar, y sobre las aves del cielo, y sobre los ganados y sobre todas las alimañas terrestres, y sobre toda sierpe que se arrastre por la faz de la tierra." (Génesis 1:26)
"Silenciosamente culpó al creador por forzar a una criatura a aniquilar a otra. De todas las preguntas que se hizo sobre el universo, encontró ésta la más difícil." (El Esclavo, Isaac B. Singer)
¿Cómo surgió la idea de "En el sexto día"?
Yo sabía que quería hacer algo sobre animales, porque la relación que tenemos con ellos siempre me pareció muy interesante, por lo contradictoria que es esa mezcla de amor que se les tiene y la violencia con la que se los trata, algo que en muchos casos también se repite entre las personas. Y hay una negación constante de ese hecho. A los nenes, las primeras cosas que se les regala son animalitos de peluche, y se los utiliza como un símbolo de pureza, de inocencia. Se les cuenta cuentos cuyos protagonistas son animalitos, en los que se habla del amor, y de cuidar al prójimo; pero al mismo tiempo, a los animales de verdad se los trata con muchísima violencia.
¿Vos viviste en el campo?
Mi papá tenía campo y de chica pasé muchos veranos allí, y cada vez que veía matar un animal ( y aún hoy me sigue ocurriendo) encuentro ese hecho como algo completamente extraordinario. No lo puedo tomar como algo cotidiano.
¿Y cómo fue que, siendo que te afecta tanto esa violencia, decidiste encarar un proyecto que te obligó presenciar, y con atención, esas escenas?
Al principio el trabajo era muy general, aparecía más gente, y abarcaba otras actividades. Después, al cabo de editar y meditar, me di cuenta qué era lo que más me interesaba. En definitiva, lo que quería era, sacando la escena de contexto, mostrar que el acto de quitarle la vida a otro ser, no es un hecho natural y cotidiano. Por otro lado, una de las cosas que a mí siempre me obsesionó del campo son los colores: todo azul, rojo, verde. Suelen verse muchas imágenes monocromas del campo: tristes, con alambres de púa, árido, casi como muerto. Y yo siempre lo vi de manera contraria, lleno de vida - y de muerte, pero lleno! Abrís un pedacito de pasto y ya ves decenas de bichitos tratando de sobrevivir. Todos los días están presentes la vida y la muerte. Todos los animales que están allí tienen dos destinos posibles: o arriar a los que van a morir, o engordar hasta convertirse en alimento.
¿Debiste preparar algunas imágenes?
La mayoría de las fotos de esta serie no están preparadas. Digamos que veo una escena que me interesa y en ese caso tal vez intervengo pidiéndole a alguien que se ponga en tal lugar, o algo así, pero nunca pedí que maten a un animal para la foto, ni nada de eso.
¿Y cómo reaccionaban los campesinos a tu presencia con el equipo fotográfico?
En realidad nadie se sorprendía. La gente que vive en el campo está orgullosa, de lo que sabe hacer y de lo que involucra su trabajo. Además, trabajé mucho con gente que me conocía de antes. Cuando me veían llegar era escuchar "Ahí viene la Ale, ahí viene la Ale!! Venga, que tenemos conejitos acá...!" Pero entendían muy bien lo que yo estaba haciendo ahí. Yo creía que iban a pensar "¿qué está haciendo esta loca, persiguiendo todo el día a las gallinas?" Pero no fue así, porque ellos le dan importancia al tema; para ellos cada animal significa algo.
Varias fotos de esta serie tienen mucho de "momento preciso". Todo está ordenado para dar una lectura bastante unívoca, con todo lo ambigua que puede ser una imagen. ¿Cómo las lograste?
Con mucha paciencia, con mucho trabajo de edición, y sacando muchas fotos, porque lograr que una escena banal tuviera ese plus que yo quería darle, no es nada fácil.
En algunas pueden adivinarse diálogos o complicidades entre los animales. ¿Aprendiste el idioma con el que se comunican?
Es algo que siempre me interesó. Si uno mira atentamente desde el punto de vista del animal -poniéndose de rodillas, por ejemplo- puede ver muchas cosas a las que normalmente no se les presta atención, como la forma de comunicarse, de mirarse.
¿Te quedó pendiente alguna imagen que te obsesione lograr?
No me obsesiona, pero todavía no logré una buena foto de una vaca lechera. Todavía no pude hacer el "homenaje a la vaca lechera".
¿Cuál fue la reacción del público en esta muestra?
Lo que más me gustó es que no hubo respuestas tibias. La muestra provocó rechazo, o mucho interés. Hubo gente que me preguntaba, un poco espantada, por qué tanta sangre, tanta crueldad. A mí me sorprende esa pregunta cuando vivimos rodeados de violencia. Para darte un caso clarísimo, de todas las imágenes que se podían haber elegido de Jesucristo, se eligió la de la cruz, en donde él está sangrando, para que todo el mundo la tenga arriba de la cama.
Otras personas vieron este trabajo como una metáfora de las relaciones humanas. Eso me gustó, porque la idea del trabajo es que sea de lectura abierta. Esto no es una condena a la matanza de animales ni nada por el estilo. Yo no quiero dar ninguna respuesta a nada, en realidad me estoy haciendo preguntas todo el tiempo.
Retratar a un animal es nombrarlo. Así, este cobra una nueva vida como cuando se le asigna un nombre, y entonces, difícilmente se le dé muerte.
Cada sacrificio nos devuelve una imagen perturbadora de la frontera que cruzamos al cercenar una vida, de lo que implica que otro ser vivo se convierta en alimento.
Es posible que explorando la fina línea que nos separa de lo que dominamos, logremos un mejor entendimiento de nuestra propia naturaleza.
¿Tus fotos están a la venta?
Sí.
¿Vendiste alguna de tus obras?
En esta muestra vendí una, hasta ahora. Pero también hay mucha gente interesada, así que veremos...
¿Es la primera vez que exponés en galería?
Sí, las últimas veces que expuse en Argentina fue en la Fotogalería del Teatro San Martín, y en el Centro Cultural Rojas. Después, en Nueva York fui al MoMA y allí me compraron una foto de esta serie.¡Eso estuvo muy bueno ! Llegar allí, sin ser nadie que ellos conozcan, y que te traten con sumo respeto, desde la secretaria hasta el director. En general, en Europa y Norteamérica los curadores y críticos están en el mismo nivel que el artista: hay una relación mutua, igualitaria, nadie siente que le está haciendo un favor a nadie.
¿Esperás poder mantenerte con la venta de fotografías? ¿De qué estás viviendo actualmente?
Hace tres años que con Martín (NR: el fotógrafo Martín Weber es la pareja de AS) estamos viviendo de becas. A él le dieron la Guggenheim por su trabajo sobre los sueños, y cuando a él se le estaba acabando, me la dieron a mí, para hacer "En el sexto día". Después gané la beca Hasselblat para desarrollar la serie de Guille y Beli, y también la del Fondo Nacional de las Artes. La verdad que es una suerte poder vivir haciendo los que nos gusta... Pero ya se va a terminar, vamos a tener que salir a buscar trabajo.
¿Vos trabajaste como editora en Clarín, no?
Sí, empecé en Internacionales, pero ese no era mi fuerte. La verdad es que no sabía mucho quién era quién. Entonces pasé a Viva, que era mucho más adecuado para mí. Allí podía pensar en cómo hacer una nota, hablar con los fotógrafos, cómo retratar a tal personaje. Fue muy bueno trabajar allí. Lo volvería a hacer, pero por un tiempo, porque a mí lo que me gusta más es sacar fotos. Aunque, ahora, en los medios está más complicado que en mi época en Viva. En ese momento había posibilidad de desarrollar ideas, de hacer cosas nuevas, pero actualmente, tengo entendido que no hay un mango, no hay producción, se hace lo mínimo indispensable, y a veces menos.
¿Cuál es el fotógrafo que más influyó en tu obra?
Si hablamos de influencia, es todo. No hay uno en particular. Hay fotógrafos que ni siquiera me gustan pero sé que me influenciaron. Todo puede ser una influencia, desde la pintura hasta las propagandas que se ven por la calle.
¿Y algún libro indispensable, de esos que si te tuvieras que ir a vivir a una isla...?
(Risas) A una isla! No, no me llevaría ningún libro de fotografía.... (silencio) Es que cambia todos los meses, un día me encanta un autor y al tiempo me dejó de interesar. No es que no haya ninguno, sino que hay muchos. Y con respecto a la influencia, tengo que decirte que Martín (Weber) fue quien más incidió en el desarrollo de mi trabajo, él me ayudó muchísimo a pensar sobre fotografía, me aconsejó en la edición, y por supuesto, con su trabajo también me enseñó un montón.
¿Y cuándo empezaste a sacar tus primeras fotos?
Fue casi en la misma época. Mi vieja me había regalado una camarita y yo componía imágenes de almohaditas, y de un violín que tenía en un balcón. Era la típica hinchapelotas que le estaba sacando fotos a todo. Ya a los quince, empecé a estudiar con Andy Goldstein, y más adelante con Juan Travnik. También me interesé por la antropología, pero en la facultad me la pasaba imaginando retratos de los otros estudiantes. Finalmente decidí dedicarme de lleno a esto, y en el International Center of Photography de Nueva York me di cuenta que la fotografía es algo serio y uno puede hacerlo toda la vida.
¿Quienes fueron tus maestros allí?
Era un curso integral, en el que se intercalaban también talleres de fin de semana. Allí me tocó participar en los de algunos fotógrafos muy reconocidos, como Joel Peter Witkin, Nan Goldin, David Graham. Y había un profesor a quien sigo viendo y siempre que puedo le muestro mis trabajos, porque es una persona que sabe mirar y se da cuenta antes que vos adónde estás yendo. Se llama Robert Blake.
¿Fue allí donde desarrollaste la serie de los chicos?
Ese trabajo lo había empezado antes, sacando fotos de niños, pero sin pensar demasiado lo que estaba haciendo. Después, en ICP es como que el proyecto maduró. Sin embargo, si me pedís que lo defina, no puedo, me cuesta mucho. Yo diría que la infancia no es tan inocente como se suele decir o creer. Los niños son muy contradictorios, tienen sexualidad, y ya están llevando dentro de ellos lo que va a estar presente en toda su vida.
Yo creo que, en ese sentido, las miradas de tus modelos denuncian exactamente eso: no están viviendo en Disneylandia.
Yo creo que ellos mismos están como proyectando lo que es ser adulto, también. En las chicas es donde más se nota, porque ellas tienen más estereotipos, y se les inculca más el "cómo deben ser". Además, hasta cierta edad, son más concientes de ellas mismas, que los varones.
Vi un trabajo tuyo nuevo en la web ¿Podés contarme de qué se trata?
Son "Las aventuras de Guille y Beli, y el enigmático significado de sus sueños". Es parte de un trabajo mucho más grande que espero mostrar el año que viene. Lo había empezado al tiempo que terminaba esto de "El Sexto Día", pero como está en desarrollo no quisiera hablar mucho todavía. Lo que te puedo decir es que es como un cuento, como un documental de la vida imaginaria de ellas, de sus fantasías, sus miedos. Es muy teatral el trabajo, hacemos como performances: yo les doy un empuje, por ejemplo tocando el tema de los miedos, ellas se disfrazan y empiezan a improvisar.
En el sexto día:
"Y Dios dijo: Hagamos al ser humano a nuestra imagen y semejanza; y que domine sobre los peces del mar, y sobre las aves del cielo, y sobre los ganados y sobre todas las alimañas terrestres, y sobre toda sierpe que se arrastre por la faz de la tierra." (Génesis 1:26)
"Silenciosamente culpó al creador por forzar a una criatura a aniquilar a otra. De todas las preguntas que se hizo sobre el universo, encontró ésta la más difícil." (El Esclavo, Isaac B. Singer)
¿Cómo surgió la idea de "En el sexto día"?
Yo sabía que quería hacer algo sobre animales, porque la relación que tenemos con ellos siempre me pareció muy interesante, por lo contradictoria que es esa mezcla de amor que se les tiene y la violencia con la que se los trata, algo que en muchos casos también se repite entre las personas. Y hay una negación constante de ese hecho. A los nenes, las primeras cosas que se les regala son animalitos de peluche, y se los utiliza como un símbolo de pureza, de inocencia. Se les cuenta cuentos cuyos protagonistas son animalitos, en los que se habla del amor, y de cuidar al prójimo; pero al mismo tiempo, a los animales de verdad se los trata con muchísima violencia.
¿Vos viviste en el campo?
Mi papá tenía campo y de chica pasé muchos veranos allí, y cada vez que veía matar un animal ( y aún hoy me sigue ocurriendo) encuentro ese hecho como algo completamente extraordinario. No lo puedo tomar como algo cotidiano.
¿Y cómo fue que, siendo que te afecta tanto esa violencia, decidiste encarar un proyecto que te obligó presenciar, y con atención, esas escenas?
Al principio el trabajo era muy general, aparecía más gente, y abarcaba otras actividades. Después, al cabo de editar y meditar, me di cuenta qué era lo que más me interesaba. En definitiva, lo que quería era, sacando la escena de contexto, mostrar que el acto de quitarle la vida a otro ser, no es un hecho natural y cotidiano. Por otro lado, una de las cosas que a mí siempre me obsesionó del campo son los colores: todo azul, rojo, verde. Suelen verse muchas imágenes monocromas del campo: tristes, con alambres de púa, árido, casi como muerto. Y yo siempre lo vi de manera contraria, lleno de vida - y de muerte, pero lleno! Abrís un pedacito de pasto y ya ves decenas de bichitos tratando de sobrevivir. Todos los días están presentes la vida y la muerte. Todos los animales que están allí tienen dos destinos posibles: o arriar a los que van a morir, o engordar hasta convertirse en alimento.
¿Debiste preparar algunas imágenes?
La mayoría de las fotos de esta serie no están preparadas. Digamos que veo una escena que me interesa y en ese caso tal vez intervengo pidiéndole a alguien que se ponga en tal lugar, o algo así, pero nunca pedí que maten a un animal para la foto, ni nada de eso.
¿Y cómo reaccionaban los campesinos a tu presencia con el equipo fotográfico?
En realidad nadie se sorprendía. La gente que vive en el campo está orgullosa, de lo que sabe hacer y de lo que involucra su trabajo. Además, trabajé mucho con gente que me conocía de antes. Cuando me veían llegar era escuchar "Ahí viene la Ale, ahí viene la Ale!! Venga, que tenemos conejitos acá...!" Pero entendían muy bien lo que yo estaba haciendo ahí. Yo creía que iban a pensar "¿qué está haciendo esta loca, persiguiendo todo el día a las gallinas?" Pero no fue así, porque ellos le dan importancia al tema; para ellos cada animal significa algo.
Varias fotos de esta serie tienen mucho de "momento preciso". Todo está ordenado para dar una lectura bastante unívoca, con todo lo ambigua que puede ser una imagen. ¿Cómo las lograste?
Con mucha paciencia, con mucho trabajo de edición, y sacando muchas fotos, porque lograr que una escena banal tuviera ese plus que yo quería darle, no es nada fácil.
En algunas pueden adivinarse diálogos o complicidades entre los animales. ¿Aprendiste el idioma con el que se comunican?
Es algo que siempre me interesó. Si uno mira atentamente desde el punto de vista del animal -poniéndose de rodillas, por ejemplo- puede ver muchas cosas a las que normalmente no se les presta atención, como la forma de comunicarse, de mirarse.
¿Te quedó pendiente alguna imagen que te obsesione lograr?
No me obsesiona, pero todavía no logré una buena foto de una vaca lechera. Todavía no pude hacer el "homenaje a la vaca lechera".
¿Cuál fue la reacción del público en esta muestra?
Lo que más me gustó es que no hubo respuestas tibias. La muestra provocó rechazo, o mucho interés. Hubo gente que me preguntaba, un poco espantada, por qué tanta sangre, tanta crueldad. A mí me sorprende esa pregunta cuando vivimos rodeados de violencia. Para darte un caso clarísimo, de todas las imágenes que se podían haber elegido de Jesucristo, se eligió la de la cruz, en donde él está sangrando, para que todo el mundo la tenga arriba de la cama.
Otras personas vieron este trabajo como una metáfora de las relaciones humanas. Eso me gustó, porque la idea del trabajo es que sea de lectura abierta. Esto no es una condena a la matanza de animales ni nada por el estilo. Yo no quiero dar ninguna respuesta a nada, en realidad me estoy haciendo preguntas todo el tiempo.
Retratar a un animal es nombrarlo. Así, este cobra una nueva vida como cuando se le asigna un nombre, y entonces, difícilmente se le dé muerte.
Cada sacrificio nos devuelve una imagen perturbadora de la frontera que cruzamos al cercenar una vida, de lo que implica que otro ser vivo se convierta en alimento.
Es posible que explorando la fina línea que nos separa de lo que dominamos, logremos un mejor entendimiento de nuestra propia naturaleza.
¿Tus fotos están a la venta?
Sí.
¿Vendiste alguna de tus obras?
En esta muestra vendí una, hasta ahora. Pero también hay mucha gente interesada, así que veremos...
¿Es la primera vez que exponés en galería?
Sí, las últimas veces que expuse en Argentina fue en la Fotogalería del Teatro San Martín, y en el Centro Cultural Rojas. Después, en Nueva York fui al MoMA y allí me compraron una foto de esta serie.¡Eso estuvo muy bueno ! Llegar allí, sin ser nadie que ellos conozcan, y que te traten con sumo respeto, desde la secretaria hasta el director. En general, en Europa y Norteamérica los curadores y críticos están en el mismo nivel que el artista: hay una relación mutua, igualitaria, nadie siente que le está haciendo un favor a nadie.
¿Esperás poder mantenerte con la venta de fotografías? ¿De qué estás viviendo actualmente?
Hace tres años que con Martín (NR: el fotógrafo Martín Weber es la pareja de AS) estamos viviendo de becas. A él le dieron la Guggenheim por su trabajo sobre los sueños, y cuando a él se le estaba acabando, me la dieron a mí, para hacer "En el sexto día". Después gané la beca Hasselblat para desarrollar la serie de Guille y Beli, y también la del Fondo Nacional de las Artes. La verdad que es una suerte poder vivir haciendo los que nos gusta... Pero ya se va a terminar, vamos a tener que salir a buscar trabajo.
¿Vos trabajaste como editora en Clarín, no?
Sí, empecé en Internacionales, pero ese no era mi fuerte. La verdad es que no sabía mucho quién era quién. Entonces pasé a Viva, que era mucho más adecuado para mí. Allí podía pensar en cómo hacer una nota, hablar con los fotógrafos, cómo retratar a tal personaje. Fue muy bueno trabajar allí. Lo volvería a hacer, pero por un tiempo, porque a mí lo que me gusta más es sacar fotos. Aunque, ahora, en los medios está más complicado que en mi época en Viva. En ese momento había posibilidad de desarrollar ideas, de hacer cosas nuevas, pero actualmente, tengo entendido que no hay un mango, no hay producción, se hace lo mínimo indispensable, y a veces menos.
¿Cuál es el fotógrafo que más influyó en tu obra?
Si hablamos de influencia, es todo. No hay uno en particular. Hay fotógrafos que ni siquiera me gustan pero sé que me influenciaron. Todo puede ser una influencia, desde la pintura hasta las propagandas que se ven por la calle.
¿Y algún libro indispensable, de esos que si te tuvieras que ir a vivir a una isla...?
(Risas) A una isla! No, no me llevaría ningún libro de fotografía.... (silencio) Es que cambia todos los meses, un día me encanta un autor y al tiempo me dejó de interesar. No es que no haya ninguno, sino que hay muchos. Y con respecto a la influencia, tengo que decirte que Martín (Weber) fue quien más incidió en el desarrollo de mi trabajo, él me ayudó muchísimo a pensar sobre fotografía, me aconsejó en la edición, y por supuesto, con su trabajo también me enseñó un montón.
Alessandra Sanguinetti @ Yossi Milo again, again, again...
The Life that Came
September 4–October 18, 2008
Artist’s Reception
Friday, September 12, 6:00–8:00 pm
Yossi Milo Gallery is pleased to announce The Life that Came, an exhibition of color photographs by Alessandra Sanguinetti. The exhibition will open on Thursday, September 4 and close on Saturday, October 18, with a reception for the artist on Friday, September 12 from 6:00 to 8:00 pm. This will be the artist’s third exhibition at the gallery.
The Life that Came is the continuation of The Adventures of Guille and Belinda and the Enigmatic Meaning of their Dreams, an ongoing series of photographs following the lives of the young cousins Guillermina and Belinda as they grow up on their family’s farm outside Buenos Aires. Cultivating an intimate relationship with the pair, Ms. Sanguinetti has collaborated with the girls since 1999, capturing images inspired by the expectations, fantasies, and fears that accompany the psychological and physical transition from childhood to adulthood.
This sequel to the gallery’s exhibition of the series in 2004 carries the project forward to a new period in the lives of Guille and Belinda as they enter the adult world they once imagined. The fantastical tableaux of personal dreams and lively imagination of the early images give way to more meditative moments as the two cousins shape their own realities, encounter the fragility of changing relationships, and confront early motherhood.
Alessandra Sanguinetti was born in New York City in 1968 and currently lives and works in both Buenos Aires and New York City. Her work has been exhibited extensively abroad, including a solo show at the Museum of Modern Art, Buenos Aires, and is part of several collections including the Museum of Modern Art, New York, the Museum of Fine Arts, Boston, and the International Center of Photography, New York. She has been awarded numerous grants and prizes, including the Guggenheim Foundation Fellowship, Hasselblad Foundation Grant, and Rencontres d’Arles Discovery Award. in http://www.yossimilogallery.com/exhibitions/2008_09-ales_sang/
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